Unidad 6 Jazz Rock Pop
El jazz es un tipo de música difícil de definir, puesto que en la mayor parte de los casos su estudio teórico se ha abordado desde los principios de la música clásica por musicólogos europeos y el jazz se resiste a ser abordado desde fuera de su propio universo. Como muchas otras artes, el jazz se explica a sí mismo y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo.
Los orígenes vocales del jazz
El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.
En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical.
Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce como GOSPELL (originariamente GodSpell, que en castellano se traduce como «Dios anuncia»), canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.
Oh happy day
La música religiosa convivía con la profana: canciones de plantación, baladas, y otras formas de expresión popular, tanto africanas como europeas, que alimentarían uno de los grandes pilares de la música afroamericana, el BLUES. Si nos atenemos a criterios musicales el blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas “blue notes”, alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero el blues es mucho más, hay quien lo traduce por tristeza, aunque es más acertado la definición de los propios cantantes de blues: “Blues is a feeling”, es una sensación, un sentimiento.
Memphis Blues, W.C. Handy
Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianístico, que sin llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el RAGTIME, su característica principal es la superposición de un ritmo regular tocado por la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano derecha, a veces también utiliza las “blue notes”. Su origen parece ser que está en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Las partituras de ragtime se grababan en “rollos de cartón” para piano mecánico o pianola y su músico más representativo fue Scott Joplin.
The Entertainer
El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el trasfondo sobre el que se levantará una inmensa cultura musical que acabará convirtiéndose en la búsqueda constante de una identidad.
Factores sociales y musicales que dieron lugar al origen del Hot Jazz
El Sur: el estilo Nueva Orleans y el Dixieland
Convencionalmente, se denomina "estilo Nueva Orleans" o New Orleans a la versión más elemental del hot. Aún no se ha desprendido de las influencias del minstrel y lleva al extremo las características antes enumeradas. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían; de hecho, los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios, nunca rápidos. Las bandas eran ambulantes y solían preferir siempre interpretar espirituales, marchas y cantos de origen afrocubano. Sin duda, el músico más conocido fue el cornetista Buddy Bolden.
-La escuela de Chicago
Cuando finaliza la Primera Guerra Mundial y se cerró Storyville (1917), los músicos locales emigraron, dentro de un movimiento masivo en busca de la industria norteña, hacia las ciudades de los Grandes Lagos , especialmente Chicago, que en los años de la Ley Seca también tenía una vida nocturna agitada y propicia para vivir de la música.
En esta emigración se embarcaron músicos de renombre, como el corneta Joe King Oliver, el pianista Jelly Roll Morton, los clarinetistas Johnny Dodds y Sidney Bechet así como un buen número de jóvenes promesas como Louis Armstrong.
En Chicago se desarrolló un estilo con menos adornos y una afinación más ajustada. Se abandona la desincronización propia de la rítmica africana pero, por el contrario, se desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual, dejando los pasajes polifónicos, en los que tocan todos los instrumentos, para el ciclo final. Empiezan a aparecer los primeros arreglos musicales escritos.
Las principales figuras plenamente Chicagoans fueron los cornetistas Bix Beiderbecke y Wingy Manone o el trombonista Jack Teagarden, aunque también de esta época (y escuela), datan las grabaciones más famosas de los Hot Five de Louis Armstrong, un hito en la historia del jazz.
En Nueva York, el Hot perdió definitivamente un buen número de sus características, sustituyéndose la improvisación colectiva por pasajes orquestales arreglados, estructurándose los temas en forma más rígida y adaptándose definitivamente a una peculiar forma de llevar el ritmo, que en el sur llamaban swing. Además, el papel de orquestas de baile que empezaban a tener las bandas, cada vez más numerosas en instrumentistas, y el hecho de que el público blanco, al bailar, se desconcertaba fácilmente si no percibía con claridad la estructura melódica, llevaron a las orquestas a tocar sin apenas improvisaciones y con el ritmo muy marcado.
Esta corriente, que se convirtió en mayoritaria (Mainstream), propició la aparición del swing, el primer gran cambio conceptual en la historia del jazz.
Década de los 30: La era del swing
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Como regla general, aunque no exista un único formato de Big Band, habitualmente se compone de
tres secciones: metales (trompetas, trombones), maderas (saxofones, clarinetes y
flauta) y ritmo (piano, guitarra, bajo y batería) haciendo un total de entre 12
y 17 miembros. En la época del swing las big bands solían tener un/a cantante. De
igual manera, muchos cantantes de éxito, se hacían acompañar por big bands en sus discos y
presentaciones. Esta sería una disposición clásica en una big band:
2. Después de la II Guerra Mundial
Las tres grandes divas del Jazz: Billie, Ella y Sarah
Billie
Autumm in New York
Strange fruit
Strange fruit
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1. Hasta la II Guerra Mundial
El jazz es un tipo de música difícil de definir, puesto que en la mayor parte de los casos su estudio teórico se ha abordado desde los principios de la música clásica por musicólogos europeos y el jazz se resiste a ser abordado desde fuera de su propio universo. Como muchas otras artes, el jazz se explica a sí mismo y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo.
Los orígenes vocales del jazz
El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.
En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical.
Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce como GOSPELL (originariamente GodSpell, que en castellano se traduce como «Dios anuncia»), canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.
Oh happy day
La música religiosa convivía con la profana: canciones de plantación, baladas, y otras formas de expresión popular, tanto africanas como europeas, que alimentarían uno de los grandes pilares de la música afroamericana, el BLUES. Si nos atenemos a criterios musicales el blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas “blue notes”, alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero el blues es mucho más, hay quien lo traduce por tristeza, aunque es más acertado la definición de los propios cantantes de blues: “Blues is a feeling”, es una sensación, un sentimiento.
Memphis Blues, W.C. Handy
Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianístico, que sin llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el RAGTIME, su característica principal es la superposición de un ritmo regular tocado por la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano derecha, a veces también utiliza las “blue notes”. Su origen parece ser que está en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Las partituras de ragtime se grababan en “rollos de cartón” para piano mecánico o pianola y su músico más representativo fue Scott Joplin.
The Entertainer
El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el trasfondo sobre el que se levantará una inmensa cultura musical que acabará convirtiéndose en la búsqueda constante de una identidad.
Hasta 1930: Hot Jazz
Hot jazz, o simplemente hot, es una denominación genérica que han utilizado los musicólogos para englobar todos los estilos del jazz tradicional que se desarrollaron en el jazz anterior a 1930. Engloba, por tanto, los estilos Nueva Orleans, Dixieland, Chicago y Nueva York. Cronológicamente podemos situarlo entre los orígenes vocales del jazz en los primitivos campos de algodón y la era del swing en los años 30.
Entre las características comunes del Hot destacamos las siguientes:
Entre las características comunes del Hot destacamos las siguientes:
- Afinaciones "por aproximación", típicas del concepto vocal de la música de origen africano. La utilización de ritmos propios de marchas militares, en 2/4 (de ahí que también se conozca este estilo como Two Beat jazz), y de origen folclórico. En especial, los de tradición afrocubana, como el charleston, el cakewalk, el black bottom, etc.
- Polirritmias constantes, acentuando y sincopando de forma diferente varias versiones rítmicas de un mismo metro básico. En este sentido, todos los instrumentos desarrollan una función rítmica.
- Exposición del tema melódico por el instrumento líder (usualmente la trompeta) mientras los restantes instrumentos tejen, tras él, una maraña de variaciones, como improvisación colectiva.
- La banda-tipo de hot está integrada por tres instrumentos con misión solista (trompeta, trombón y clarinete), un instrumento armónico-rítmico (banjo) y uno o dos estrictamente rítmicos (batería, y tuba) para marcar los bajos. En los primeros tiempos también era usual el violín, que solía sustituir a alguno de los instrumentos de metal.
Factores sociales y musicales que dieron lugar al origen del Hot Jazz
- La liberación de los esclavos tras la Guerra de Secesión (1865) y la desaparición de un gran número de explotaciones agrícolas, origina un grupo social, económicamente marginado, que se apiñó en las urbes del sur, especialmente en Nueva Orleans, entonces un puerto importante. Se organizaban reuniones para bailar y tocar música.
- La disgregación de las bandas militares facilitó un mercado de instrumentos de segunda mano, baratos, muy propicio para que los negros pudieran buscar su oportunidad de supervivencia en un terreno abonado para ellos, como la música, especialmente en compañías de vodevil y de minstrel.
- Las influencias de ciertos ritmos de origen latino en la música afroamericana habían originado una serie de estilos, eminentemente pianísticos, que gozaban de gran popularidad en fiestas y bares. Especialmente, deben tenerse en cuenta el Ragtime, del que hablamos anteriormente, y el Boogie Woogie
- La legalización del juego y de la prostitución, hacia 1870, dieron un pulso agitado a las noches de Nueva Orleans, especialmente al barrio conocido como Storyville, donde se instalaron cientos honky tonks (bares con música en directo). La rivalidad comercial entre ellos fomentó la música en vivo.
- La costumbre sureña de acompañar a los fallecidos hasta el cementerio con música (de larga tradición africana) había adoptado unos moldes rígidos que se adaptaron muy bien a las nuevas bandas: la marcha hacia el cementerio se hacía con una melodía, generalmente espirituales negros, cantada en tempo muy lento, en compás de 4/4; el regreso, por el contrario, se realizaba en un 2/4 vivo.
El Sur: el estilo Nueva Orleans y el Dixieland
Convencionalmente, se denomina "estilo Nueva Orleans" o New Orleans a la versión más elemental del hot. Aún no se ha desprendido de las influencias del minstrel y lleva al extremo las características antes enumeradas. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían; de hecho, los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios, nunca rápidos. Las bandas eran ambulantes y solían preferir siempre interpretar espirituales, marchas y cantos de origen afrocubano. Sin duda, el músico más conocido fue el cornetista Buddy Bolden.
A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comienzan a interesarse por el Hot y su influencia produce algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollan más las improvisaciones, se agilizan los tempos y se buscan estructuras rítmicas menos "africanas". Además, se introducen el piano y el saxofón. Es el estilo que conocemos como Dixieland, base de todo el jazz posterior.
El Norte: Chicago y Nueva York. La mainstream.
-La escuela de Chicago
Cuando finaliza la Primera Guerra Mundial y se cerró Storyville (1917), los músicos locales emigraron, dentro de un movimiento masivo en busca de la industria norteña, hacia las ciudades de los Grandes Lagos , especialmente Chicago, que en los años de la Ley Seca también tenía una vida nocturna agitada y propicia para vivir de la música.
En esta emigración se embarcaron músicos de renombre, como el corneta Joe King Oliver, el pianista Jelly Roll Morton, los clarinetistas Johnny Dodds y Sidney Bechet así como un buen número de jóvenes promesas como Louis Armstrong.
En Chicago se desarrolló un estilo con menos adornos y una afinación más ajustada. Se abandona la desincronización propia de la rítmica africana pero, por el contrario, se desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual, dejando los pasajes polifónicos, en los que tocan todos los instrumentos, para el ciclo final. Empiezan a aparecer los primeros arreglos musicales escritos.
Las principales figuras plenamente Chicagoans fueron los cornetistas Bix Beiderbecke y Wingy Manone o el trombonista Jack Teagarden, aunque también de esta época (y escuela), datan las grabaciones más famosas de los Hot Five de Louis Armstrong, un hito en la historia del jazz.
La Mainstream y la escuela de Nueva York
Para finales de la década de 1920, prácticamente todos los jazzmen del sur, y un buen número de Chicagoans, se habían instalado en Nueva York, buscando los magníficos sueldos que se pagaban en sus locales nocturnos, algunos tan famosos como el Cotton Club de Harlem.
Para finales de la década de 1920, prácticamente todos los jazzmen del sur, y un buen número de Chicagoans, se habían instalado en Nueva York, buscando los magníficos sueldos que se pagaban en sus locales nocturnos, algunos tan famosos como el Cotton Club de Harlem.
En Nueva York, el Hot perdió definitivamente un buen número de sus características, sustituyéndose la improvisación colectiva por pasajes orquestales arreglados, estructurándose los temas en forma más rígida y adaptándose definitivamente a una peculiar forma de llevar el ritmo, que en el sur llamaban swing. Además, el papel de orquestas de baile que empezaban a tener las bandas, cada vez más numerosas en instrumentistas, y el hecho de que el público blanco, al bailar, se desconcertaba fácilmente si no percibía con claridad la estructura melódica, llevaron a las orquestas a tocar sin apenas improvisaciones y con el ritmo muy marcado.
Esta corriente, que se convirtió en mayoritaria (Mainstream), propició la aparición del swing, el primer gran cambio conceptual en la historia del jazz.
Década de los 30: La era del swing
A finales de los años 20 el estilo hot estaba en decadencia
frente a los nuevos estilos que estaban surgiendo en el norte, especialmente en
Nueva York. Las bandas de Fletcher
Henderson o Duke Ellington marcaron el nuevo rumbo del jazz, cuya principal
característica fue la aparición de las Big Bands.
La estructura de las big bands evolucionó a lo largo del tiempo, desde las bandas de diez u once
miembros de la época inicial del swing, hasta las grandes orquestas de más de
veinte músicos de los años setenta. En cualquier caso, característica esencial
de las big bands es la existencia de
secciones instrumentales, en algunas de las cuales los mismos instrumentos se
encuentran duplicados.
Como regla general, aunque no exista un único formato de Big Band, habitualmente se compone de
tres secciones: metales (trompetas, trombones), maderas (saxofones, clarinetes y
flauta) y ritmo (piano, guitarra, bajo y batería) haciendo un total de entre 12
y 17 miembros. En la época del swing las big bands solían tener un/a cantante. De
igual manera, muchos cantantes de éxito, se hacían acompañar por big bands en sus discos y
presentaciones. Esta sería una disposición clásica en una big band:
Además de las innovaciones en
la instrumentación, encontramos otros elementos novedosos con respecto al hot:
- Pasamos de ritmos binarios a cuaternarios.
- Aparece el riff melódico (pasaje instrumental que se repite de forma reiterada; no es lo mismo que un solo, en el que el instrumentista desarrolla toda su capacidad interpretativa e improvisatoria).
- Predominan los pasajes arreglados (straight), es decir, ajustados a una partitura.
- El concepto democrático de los solos propio de Nueva Orleans (todos improvisaban) cambia a favor de un solista principal.
Aparece el swing como elemento rítmico y como estilo de baile. Musicalmente supone la pérdida de la
polirritmia y la polifonía a favor de un ritmo más regular a cuatro en el que
la batería es el único instrumento con una verdadera función rítmica. Los bailes asociados al swing, entre
los que destaca el Lindy Hop, se convirtieron en la mayor (y la primera)
contribución estadounidense al mundo del baile.
El swing fue además un estilo
lleno de grandes improvisadores que acabaron convirtiéndose en referentes de su
instrumento destacando Coleman Hawkins, Art Tatum, Chu Berry, Fats Waller o
Johnny Hodges, entre otros. Fue también el momento en el que aparecieron las
primeras grandes cantantes (ver el apartado sobre las divas del jazz).
2. Después de la II Guerra Mundial
Hasta la
Segunda Guerra Mundial, y sobre todo durante la Era del Swing de los años 30,
el jazz había acabado siendo música de entretenimiento dirigida a los clubs y
las salas de baile. Después de la guerra se producirá a una división que abrirá
dos grandes vías de desarrollo. De un lado, las agrupaciones de jazz se reducen
y buscan nuevos caminos por explorar, alejándose de las salas de baile para
acercarse a una música mucho más conceptual y alejada del gran público (para
ser “escuchada” más que para ser “bailada”). Las masas que antes seguían a las
Big Bands de Benny Goodman o Duke Ellington buscan el entretenimiento en
cantantes de baladas como Frank Sinatra o Bing Crosby y sobre todo en el Rhythm
& Blues, género de música popular de donde surgiría el rock and roll. A partir de este momento trazaremos dos líneas independientes aunque siempre interconectadas: la primera será la continuación de la historia del jazz; la segunda arrancará con el R&B y nos llevará hasta la música pop y rock de nuestros días.
Años 40: el Bebop
A principios de la década de los cuarenta el jazz se estaba
acomodando en un obsoleto circulo de música comercial propiciado por varios
cientos de orquestas de baile, en las que el jazz brillaba por su ausencia. La
era del swing, ese estilo de jazz inventado veinte años atrás, había sido
exprimido hasta el límite de sus posibilidades y los grandes solistas de
entonces sólo hacían repetir, eso sí con gran maestría, las mismas formulas
musicales una y otra noche. Y eso a pesar del esfuerzo de músicos de swing
empeñados en buscar algo más. Buscaban otro sonido y no lo encontraron. Además,
tras la II Guerra Mundial los circuitos comerciales se habían hundido y
resultaba difícil mantener formaciones de tan gran tamaño por lo que los
músicos empiezan a dispersarse en una infinidad de pequeños grupos que,
obviamente, no pueden continuar con una música que exige grandes formaciones y,
en consecuencia, están dispuestos a asumir cualquier propuesta, por muy radical
que pareciese en ese momento.
En Harlem (New York) corría el año 1940, y había un
club en la calle 118 que se llamaba Minton´s Playhouse. Lo regentaba un hombre llamado, Teddy Hill que tuvo la feliz idea de abrir ese
local todas las noches a horas en que los demás clubes de New York cerraban sus
puertas y consiguió reunir noche tras noche a los músicos de jazz de la ciudad
que se enfrascaban, liberados del corsé de las actuaciones en sus respectivas
bandas, en interminables y memorables "jam sessions". Allí germinó un
sonido nuevo, un repertorio de temas disonantes con melodías llenas de saltos
bruscos y que expresaban un concepto distinto de la estética melódica al uso. Nació
el bebop
Las tres grandes divas del Jazz: Billie, Ella y Sarah
Billie
Entre las voces femeninas del jazz, la de
Billie Holiday (1915-1959), constituye un caso singular por lo azaroso de su
vida contada por ella misma en su famosa autobiografía titulada: "Lady
Sings The Blues". En ella, Billie Holiday relata como fue su vida desde la
misma infancia: violación, acusaciones de prostitución, reformatorios, alcohol,
drogas, racismo, cargos por tráfico de estupefacientes, cárcel, inhabilitación
para cantar y, por último, la muerte. El valor artístico de Billie Holiday
reside en su capacidad interpretativa, en su dominio del swing y en la
adaptación de sus cualidades vocales al contenido de la canción. Billie Holiday
transmite a sus canciones una intensidad inigualable que, en muchos casos, es
fruto de una traslación de sus vivencias personales a las letras cantadas. Esta
personalización de lo cantado hace que su estilo esté muy vinculado a
intérpretes clásicos de blues como Bessie Smith o Ma Rainey; también está clara
su deuda, confirmada por ella misma, con Louis Armstrong y, desde luego, con
quien sería su principal acompañante: el saxofonista tenor y clarinetista
Lester Young. El tema “Strange Fruit” fue considerado como la mejor canción del
Siglo XX, por la revista “Time” en 1999. Su muerte pareció una cruel burla del
destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó
esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.
Autumm in New York
Strange fruit
Strange fruit
Southern trees bear strange fruit,
Blood on the leaves and blood at the root,
Black bodies swinging in the southern breeze,
Strange fruit hanging from the poplar trees.
Pastoral scene of the gallant south,
The bulging eyes and the twisted mouth,
Scent of magnolias,
sweet and fresh,
Then the sudden smell of burning flesh.
Here is fruit for the crows to pluck,
For the rain to gather, for the wind to suck,
For the sun to rot, for the trees to drop,
Here is a strange and bitter crop.
Blood on the leaves and blood at the root,
Black bodies swinging in the southern breeze,
Strange fruit hanging from the poplar trees.
Pastoral scene of the gallant south,
The bulging eyes and the twisted mouth,
Scent of magnolias,
sweet and fresh,
Then the sudden smell of burning flesh.
Here is fruit for the crows to pluck,
For the rain to gather, for the wind to suck,
For the sun to rot, for the trees to drop,
Here is a strange and bitter crop.
Extraño fruto
Árboles sureños cargan extraños frutos,
Sangre en las hojas, y sangre en la raíz,
Cuerpos negros se balancean a la brisa sureña
Extraños frutos penden de los álamos.
Escena pastoral del galante sur,
Los ojos saltones y la boca retorcida,
Perfume de magnolias, dulce y fresco,
Y el repentino olor de carne quemada.
Aquí está el fruto para que lo arranquen los cuervos,
Para que la lluvia lo tome, para que el viento lo aspire,
Para que el sol lo descomponga, para que los árboles lo suelten,
Esta es una extraña y amarga cosecha.
Árboles sureños cargan extraños frutos,
Sangre en las hojas, y sangre en la raíz,
Cuerpos negros se balancean a la brisa sureña
Extraños frutos penden de los álamos.
Escena pastoral del galante sur,
Los ojos saltones y la boca retorcida,
Perfume de magnolias, dulce y fresco,
Y el repentino olor de carne quemada.
Aquí está el fruto para que lo arranquen los cuervos,
Para que la lluvia lo tome, para que el viento lo aspire,
Para que el sol lo descomponga, para que los árboles lo suelten,
Esta es una extraña y amarga cosecha.
Ella
One note samba
Summertime
Sara
Somewhere over the rainbow
Scat blues
Hard Bop
Años 50: Rhythm and Blues
Fats Domino - The Fat Man
Chuck Berry - Roll over Beethoven
Estilo musical
El estilo musical de los Beatles es la suma de muchos talentos e influencias. A continuación analizaremos los distintos elementos de su estilo musical:
Años 60: Free Jazz
Los años 70 vieron nacer nuevos estilos, como el hard rock, el reggae de origen jamaicano, el rock progresivo, el punk, el rap o la música disco. Al nivel más comercial, los mayores éxitos pertenecieron a artistas pop como Elton John o el grupo sueco ABBA. Al mismo tiempo alcanzaban repercusión internacional nuevos ritmos latinos como la salsa cubana o la bossa nova brasileña, y, en distintas zonas del mundo, emergían estilos que mezclaban elementos del pop/rock occidental con la música popular local (así toman forma el Afropop, el rock latino, el J-Pop, el pop ruso, etc.). Por último, fue esta década la época dorada de la canción de autor en países del sur de Europa (España, Francia, Italia...) y Latinoamérica.
El hard rock (traducido como rock duro) es un género musical derivado del rock and roll y del blues rock. Surgió a finales de la década del '60 en los Estados Unidos y Europa, particularmente en Reino Unido. Algunos de sus principales pioneros fueron The Kinks, Cream, The Who, Led Zeppelin, Deep Purple o Black Sabbath. Pero sin duda fueron The Jimi Hendrix Experience, con su virtuoso guitarrista Jimi Hendrix, los verdaderos creadores del rock duro como entidad tangible y concreta. Más tarde lo innovarian AC/DC, Kiss o Aerosmith.
Musicalmente, los altos efectos de distorsión de las guitarras cobran protagonismo y la batería puede alcanzar un rango de 100 a 150 golpes por minuto, siendo 120 un valor habitual. El solo de la guitarra es una parte muy importante de la canción, los cuales suelen ser complejos, tanto como la letra y la melodía de la voz. También son muy comunes el órgano Hammond y los sintetizadores.
Espectacular solo de Jimi Hendrix
Led Zeppelin: Starway to heaven
Deep purple: Smoke on the water
AC/DC: Highway to Hell
La fusión
Duke Ellington: "Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría".
Ella
Fitzgerald está considerada como la cantante más importante e influyente de la
historia del jazz (y, en general, de la canción melódica popular). Su vida
estuvo también marcada por la desgracia. Durante su infancia sufrió la pobreza
permanente, el abandono de su padre y la muerte de su madre en accidente de
tráfico, un ambiente dramático que la llevó a pasar por reformatorios y la dejó
marcada de por vida. Estaba dotada de una voz con un rango vocal de tres
octavas, destacando su clara y precisa vocalización y su capacidad de
improvisación, sobre todo en el scat (un tipo de improvisación vocal,
generalmente con palabras y sílabas sin sentido -skoobie-doobie,
bee-bop-a-lula, dabarap -pa ra badab, boop-boop-a-doop, sorngo-n-gon etc.-,
convirtiendo la voz en un instrumento), técnica que aprendió junto a
Louis Armstrong y desarrolló en los años cuarenta, anunciando el surgimiento
del bop. Escucha con atención el vídeo One note samba de la lista de
reproducción (nº 4) y tiembla... Cantante insuperable de bigband, se encuentra
igualmente a sus anchas en un contexto musical más reducido, en directo o en
pequeños clubes, en trío con el clásico formato de piano, contrabajo y batería
y ser además la mejor interprete de standars, baladas, blues, canciones
infantiles o incluso de bossa-nova. Ella Fitzgerald, falleció el 15 de junio de
1996. Su muerte, a pesar de ser esperada tras una larga enfermedad (murió ciega
por culpa de la diabetes), dejó al mundo del jazz paralizado y conmovido. Con
su desaparición física, se iba una cantante de jazz inigualable. Nunca nadie
superó a Ella en un escenario, ni habrá nunca una cantante de jazz que cante el
"scat" como ella. Su música, su voz aniñada, su vitalidad, y su
capacidad para cantar swing, permanece eternamente entre nosotros.
One note samba
Summertime
Sara
Sarah Lois Vaughan, apodada La Divina, es junto
a Billie y Ella, una de las voces más influyentes del jazz. La voz de Vaughan
se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su
control del vibrato; su tesitura le permitía saltar del registro grave al de
soprano con gran facilidad. Sarah Vaughan fue una de las primeras vocalistas en
incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al
nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Este
fraseo consiste en el abandono total del jazz tradicional (anterior a 1930) y
de la sonoridad vocal de los instrumentos, llevando más allá la búsqueda de
sonidos afinados al estilo europeo, ya iniciada por el Swing, con una estética
nerviosa, cortante y fría. El fraseo, sobre todo en los primeros tiempos, es
rápido usualmente con predominio de los registros agudos de los instrumentos.
Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de
la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura,
aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue igualmente una
maestra en el scat. La vida de Vaughan también estuvo muy ligada al mundo de la
noche, el alcohol y las drogas, muriendo prematuramente a los 66 años.
Somewhere over the rainbow
Scat blues
Años 50: Cool jazz, Hard Bop y Funky o soul jazz.
Podemos
decir que el nacimiento formal del cool se produce en 1948 con la aparición del
álbum "Birth of the cool" de Mile Davis, todo un manifiesto y una de las
grabaciones más influyentes de la historia.
El cool derivaba del bebop pero
buscaba una música más
cerebral, que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera
"calma" y "meditativa". Se alejaba de las raíces africanas
del jazz y centraba su interés en la melodía y el fraseo. Sin duda sería en la
Costa Oeste, alejada de las influencias de Chicago y Nueva York, donde el cool
tendría mayor éxito. Allí encontraremos algunos de los músicos más importantes
de este género. Howard Rumsey o Shorty Rogers, y generó obras que tuvieron una
enorme repercusión comercial, como es el caso de Time Out, de Dave
Brubeck y Paul Desmond, que se convirtió en el primer disco de jazz en vender
más de un millón de copias, gracias al tema "Take Five". También
obtuvo un importante éxito comercial Stan Getz, otro de los líderes del
movimiento cool, que terminaría popularizando la bossa nova o Lee Konitz
considerado por muchos como la quintaesencia del cool.
Hard Bop
Si la
costa este optó por la música cool, el este reacción con fuerza e intensidad,
recuperando el elemento rítmico y los solos más agresivos. Fue un movimiento
vinculado fundamentalmente a artistas negros de la región de los Grandes Lagos
(Chicago y Detroit). Entre sus principales
impulsores destacan Max Roach, Art Blakey y Sonny Rollins.
Funky o soul jazz
Íntimamente relacionado con el hard
bop, se desarrolló un estilo de jazz, quizás más específicamente una forma de
tocar jazz, basada en la utilización de estructuras blues en tempo lento o
medio, con un "beat" firme y sostenido, con emoción interpretativa,
que se dio en llamar funky y más tarde soul jazz. Un subgénero que exhibía al Hammond B3 y a sus
pioneros (Wild Bill Davis, Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistas, y
que hundía también sus raíces en los trabajos de músicos como Horace Silver,
Junior Mance o el cantante y pianista Ray Charles.
Años 50: Rhythm and Blues
El Rhythm and Blues, término acuñado por Jerry Wexler (de la
revista Billboard) en el año 1949, es un
genero derivado en su momento del jazz, el blues (especialmente del jump, un
blues más bailable popularizado por Louis Jordan en los 40) y el gospell.
En sus incios
el R&B fue el antecesor del rockabilly y el rock and roll y realmente las
diferencias entre estos tres géneros son más ideológicas que musicales.
El R&B estaba muy asociado a la música negra y las luchas raciales (antes
de utilizarse el término se hablaba de “race records” –discos de raza- para
referirse a este estilo lo cual tenía una connotación bastante peyorativa) y
por ello se empezó a utilizar el término Rock and Roll para alejarlo de estas asociaciones
y dar paso a los músicos blancos, las influencias del country y la llegada de
la guitara eléctrica.
El término rockabilly es la contracción de las palabras rock
y hillbilly, referente éste a una variedad ruda de country conocida como hillbilly
music en la década de 1940-50 que contribuyó enormemente al desarrollo de
su estilo. Aunque existen excepciones, su origen lo situamos en la región sur
de los Estados Unidos.
Destacaremos entre los primeros representantes de estos estilos a
los cantantes Bill Halley (con sus Haley´s Comets) y Elvis Presley así como al
guitarrista Chuck Berry -considerdo por la revista Rolling Stone como el sexto mejor guitarrista de la historia- y el pianista Fats Domino, el artista negro que más
discos vendió (más de 65 millones) a finales de los 50 y principios de los 60.
Fats Domino - The Fat Man
Chuck Berry - Roll over Beethoven
Años 60: Beat británico y Rock
psicodélico
El beat fue un
género nacido en el Reino Unido, concretamente en la ciudad de Liverpool, a
comienzos de los años 60. La formación beat clásica la componían las guitarras,
el bajo eléctrico y la batería, destacando la coordinación entre estos últimos.
Es importante también la presencia de coros vocales con sílabas onomatopéyicas.
Los grupos beat tocaban inicialmente temas de rock and roll y R&B hasta que
poco a poco se fueron definiendo con un estilo propio que supondrá el
nacimiento de lo que hoy conocemos como pop.
Si el Cotton Club o el Minton´s Playhouse habían sido lugares míticos del
swing o el bebop, The Cavern Club lo sería de la generación beat. Ahí fue donde
se presentó la que hoy podemos considerar como una de las bandas más
influyentes del siglo XX: The Beatles.
The Beatles
Algo de
historia…
La popular banda se
constituyó en 1962 y tras varias composiciones acabó estando formada por el
conocido como Cuarteto de Liverpool: John Lennon (guitarra rítmica,
pianista y vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista y pianista), George
Harrison (guitarrista solista, vocalista) y Ringo Starr (batería y vocalista). Empezaron
haciendo R&B y Rock and Roll y pronto evolucionaron hacia la balada pop y
el rock psicodélico. Su primer éxito fue Love me do y a partir de ahí su
popularidad no dejó de crecer hasta 1970, año en el que se disolvieron. Los
últimos cuatro años se dedicaron en exclusiva a hacer grabaciones de estudio
creando algunos de sus mejores materiales, como su álbum Sgt. Pepper´s Lonely
Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra.
El productor
George Martin fue una pieza clave en lanzamiento de los Beatles, cuyo álbum
debut, Please, please me llegaría en 1963 con éxitos como She loves
you, sencillo que llegó a vender 750.000 copias en cuatro semanas. Con la
llegada de su segundo LP, With the Beatles, la carrera del cuarteto de
Liverpool y la Beatlemanía estaban lanzadas.
En 1964
desembarcaron con su primera gira en EEUU y tuvieron un encuentro crucial con
Bob Dylan, influyéndose mutuamente. En ese año filmaron su primera película, A
Har Day´s Night. Un año más tarde tomarían contacto con el LSD, una droga
que junto al cannabis formó parte de la formación hasta su disolución.
En 1965 hacen
su segunda película, Help! Dirigida también por Richard Lester como la
anterior, a cuya banda sonora pertenece la canción más versionada de la
historia, Yesterday. Publican también Rubber Soul, un disco que
fue excelentemente acogido por la crítica y considerado como una salto de
madurez y complejidad.
En el año 1966
llegó Revolver y con él la incursión en el rock psicodélico y la
experimentación. Temas como Tomorrow never knows o Eleanor Rigby,
con un octeto de cuerda, son considerados híbridos musicales en los que no se
reconoce ningún género musical.
Eleanor Rigby
Sería a partir de noviembre de ese año cuando comenzaron a grabar la que por muchos es considerada su obra maestra, el álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, al que dedicaron más de 700 horas de trabajo en el estudio utilizando técnicas de grabación muy novedosas. El Sgt. Pepper no fue sólo rompedor por su música: todo en ese LP era rompedor, desde las letras hasta la misma portada, (Grammy a la mejor portada del año) en la que aparecen varias decenas de celebridades. Se merece que le dediquemos un tiempo...
Album completo (en un solo video)
With a little help of my friends
(¡no te pierdas la versión de Joe Cocker! En Woodstock 1969) Si no sabes qué significó Woodstock... ¡deberías saberlo! ;-) Pincha AQUÍ)
Eleanor Rigby
Sería a partir de noviembre de ese año cuando comenzaron a grabar la que por muchos es considerada su obra maestra, el álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, al que dedicaron más de 700 horas de trabajo en el estudio utilizando técnicas de grabación muy novedosas. El Sgt. Pepper no fue sólo rompedor por su música: todo en ese LP era rompedor, desde las letras hasta la misma portada, (Grammy a la mejor portada del año) en la que aparecen varias decenas de celebridades. Se merece que le dediquemos un tiempo...
Album completo (en un solo video)
With a little help of my friends
(¡no te pierdas la versión de Joe Cocker! En Woodstock 1969) Si no sabes qué significó Woodstock... ¡deberías saberlo! ;-) Pincha AQUÍ)
En 1968 sacaron el White Album, muy
influenciado por su estancia en la India y mal acogido por la crítica. En 1969
terminarían de grabar su último álbum, Let it be, y en 1970 los Beatles
se separan definitivamente.
Estilo musical
El estilo musical de los Beatles es la suma de muchos talentos e influencias. A continuación analizaremos los distintos elementos de su estilo musical:
1) Empecemos por
valorar las aportaciones de cada uno de los cuatro componentes. Destaca por
encima de todo el contraste Lennon / McCartney, el primero sedentario, irónico,
tendente a las melodías repetitivas y los intervalos disonantes; el segundo,
extrovertido, optimista, gran melodista y compositor de oficio cuyo talento no
dejo de evolucionar con los años. Por
otro lado, Harrison aportaba calidad y texturas interesantísimas con su
guitarra solista (y algunas melodías completamente diferentes a las compuestas
por sus compañeros y muy influenciadas por la cultura oriental) mientras Starr,
con su presencia sutil de apoyo rítmico, acabaría por convertirse en el padre de la batería del pop/rock moderno. Por
último está el papel del llamado quinto beatle, el productor George
Martin, que siempre supo interpretar las locuras de la banda y actuó como
estabilizador del grupo. Además, sus aportaciones musicales fueron
fundamentales, especialmente en el Sgt. Pepper. Por otro lado, los Beatles
hicieron un uso muy innovador de la tecnología en el estudio de grabación,
exigiéndole a los técnicos una continua experimentación.
2) El eclecticismo
es una de sus principales características. El grupo paso por el rock and roll,
el hard rock, el rock psicodélico y experimental, la balada pop, la música de
la India, el jazz y hasta la música clásica. Esta mixtura, junto a las
influencias de sus contemporáneos y del mismo George Martin, convirtieron su
música en un crisol de estilos extremadamente rico.
3) Uso de armonías
vocales. Los Beatles cantaban a dos y tres voces, a veces generando armonías
muy disonantes. En ocasiones utilizaban las voces como pregunta y respuesta o,
dentro de la narrativa de las canciones, completando el discurso de la voz
principal. Armónicamente, y aun utilizando acordes comunes, innovaron mucho en
la forma de hacer sus progresiones (secuencias de acordes), convirtiéndose éstas
en un rasgo distintivo de su música.
4) Rítmicamente
rompieron frecuentemente con la regularidad de las frases. Utilizaron mucho los
ritmo irregulares, las síncopas o los cambios de tiempo.
5) Uno de los
aspectos más innovadores de la obra de los Beatles es el tratamiento individual
que le dan a cada una de sus canciones, haciendo de cada una un mundo aparte,
una entidad en sí. Ésto se logró gracias en gran medida a la originalidad de
sus letras: los Beatles no sólo eran buenos músicos, también fueron escritores
de letras sensacionales.
Por último, no hay que olvidar que
la banda de Liverpool fue la viva imagen de su generación: el movimiento
hippie, las drogas alucinógenas, la psicodelia, la meditación trascendental de
la India, los movimientos juveniles, el pacifismo contra la Guerra del Vietnam,
etc. Todos estos elementos están en su música y de ahí que podamos afirmar que fueron
parte integral de la naciente cultura pop. Sin duda, su obra supone un hito en
la historia y su impacto ha trascendido las barreras del tiempo y el espacio
convirtiéndose en un verdadero icono, en una música digna de estudio y admiración.
ESPECIAL THE BEATLES (EL PAÍS)
ESPECIAL THE BEATLES (EL PAÍS)
The Rolling Stones
«...en su tiempo revolucionaron la música
retomando el rhythm and blues y asimilando todo lo 'malo' de éste (la actitud
arrogante, la manera 'vulgar' de interpretación, las letras obscenas y
sexualmente explícitas) para comprometerlo con las frustraciones de toda una
generación».
Piero Scaruffi, crítico musical.
Durante la década de los 60 sólo
hubo un grupo que rivalizó en popularidad y ventas con los Beatles: The Rolling
Stones. Si los primeros simbolizaban el
lado más “blando” del beat, los Rolling representaban la cara más dura,
convirtiéndose desde su lanzamiento en la banda que sentó las bases del rock
contemporáneo. A lo largo de sus cincuenta años de trayectoria han tenido
varias composiciones y en la actualidad, de la formación original, sólo
permanecen Mick Jagger (cantante), Keith Richards (guitarrista) y Charlie Watts
(baterista). La banda alcanzó el éxito en los 60, sobre todo a partir del
lanzamiento de I can´t get no satisfaction.
Desde el
primer momento a su productor, Andrew Loog Oldham, le interesó que los Rolling fueran la
antítesis de los Beatles y, de hecho, fue el responsable de esa imagen de
“chicos malos” . Curiosamente, uno de los primeros éxitos de los
Stones (I wanna be your man) fue una canción compuesta, a petición de
Oldham, por Lennon y McCartney. En sus inicios, los Rolling hacían lo que todos
los grupos del momento, R&B, rock and roll y blues pero no tardaron en
evolucionar hacia el rock psicodélico, el country, el punk o la música
electrónica.
En 1966
aparecería un tema que rompería los esquemas del R&B y lanzaría al número
1, Paint it Black, en el que empezaron a experimentar con instrumentos
“distintos”. A partir de ahí, e impulsados por el entonces líder de la banda
Brian Jones, incorporaron la marimba, el dulcimer, el sitar, el piano, el vibráfono,
etc. dándole a la banda un sonido diferente, impactante y sofisticado. El ejemplo más interesante de esta
experimentación lo encontramos en el álbum Their Satanic Majesties Request,
con el que trataron de responder al Sgt. Pepper de los Beatles, un álbum de rock
psicodélico en el que incorporaron influencias africanas y orientales. En 1969,
Jones abandona el grupo.
Paint it black
Paint it black
Los miembros
de los Rolling estuvieron siempre relacionados con las drogas lo que les
acarreó continuos problemas con la justicia y muchos conflictos internos dentro
de la banda, especialmente por la adicción de Richards a la heroína. Estas
tensiones se concretan en la salida de Dick Taylor, primer bajista del grupo en
1974, siendo sustituido por Ronnie Wood. Los 70 fueron años difíciles para los
Stones, una época en la que fueron considerados una banda obsoleta frente al
éxito del punk. En los 80 resurgen con nuevos temas de éxito, como Emotional Rescue
y Start me up, un tema reggae que no tardó en subir en las listas.
Actualmente,
los Rolling, con cincuenta años de historia, siguen activos y, a tenor de las
palabras de su bajista, por mucho tiempo:
«Vamos a seguir tocando, seguro. Somos
como los viejos monjes, esos que nunca abandonan. Vamos a tocar hasta que nos
caigamos del escenario... Los Rolling Stones no se separarán hasta que todos
los miembros no hayan fallecido»
Ronnie Wood
«Frente al mismo, la única salida de
los músicos negros es unirse y responder a la discriminación con la discriminación;
organizarse y excluir a los blancos de sus grupos y circuitos».
Desde mi punto de vista, el free jazz
fue un grito de libertad, un experimento musical. De hecho, su recorrido fue
corto y paralelo al de sus referentes políticos. Musicalmente supone la
incorporación de la atonalidad al jazz y la liberación de las limitaciones
armónicas y rítmicas, es decir, la libertad total.
Los músicos del free jazz se
plantearon con frecuencia su posición como una respuesta al establishment racista
y su desarrollo musical se produce paralelamente a la adquisición, por parte de
los músicos negros, de una conciencia social, que les hace comprender que su
música puede ser un medio de lucha en el llamado movimiento por los derechos
civiles. Esta rápida radicalización ideológica les llevará tanto a asumir
planteamientos cercanos al Black Power como incluso, a actuaciones políticas
más radicales, de apoyo económico a los Black Panthers. Destacamos en este
movimiento a Ornette Coleman y Cecil Taylor.
Los años 70: diversificación y fusión
Los años 70 vieron nacer nuevos estilos, como el hard rock, el reggae de origen jamaicano, el rock progresivo, el punk, el rap o la música disco. Al nivel más comercial, los mayores éxitos pertenecieron a artistas pop como Elton John o el grupo sueco ABBA. Al mismo tiempo alcanzaban repercusión internacional nuevos ritmos latinos como la salsa cubana o la bossa nova brasileña, y, en distintas zonas del mundo, emergían estilos que mezclaban elementos del pop/rock occidental con la música popular local (así toman forma el Afropop, el rock latino, el J-Pop, el pop ruso, etc.). Por último, fue esta década la época dorada de la canción de autor en países del sur de Europa (España, Francia, Italia...) y Latinoamérica.
Hard rock
Musicalmente, los altos efectos de distorsión de las guitarras cobran protagonismo y la batería puede alcanzar un rango de 100 a 150 golpes por minuto, siendo 120 un valor habitual. El solo de la guitarra es una parte muy importante de la canción, los cuales suelen ser complejos, tanto como la letra y la melodía de la voz. También son muy comunes el órgano Hammond y los sintetizadores.
Espectacular solo de Jimi Hendrix
Led Zeppelin: Starway to heaven
Deep purple: Smoke on the water
AC/DC: Highway to Hell
La fusión
Los
años setenta verían desaparecer a algunas de las grandes figuras del jazz de
todos los tiempos como Armstrong o Ellington y a muchos les faltó tiempo para
augurar la defunción de toda la música del jazz. La realidad, sin embargo, fue
muy diferente y en la música
afroamericana no cesaban de surgir nuevas formas y nuevos músicos, como la
“salsa” neoyorkina, heredera de la tradición afrocubana de los primeros músicos
latinos llegados a Nueva York e impregnada de influencias del jazz, del soul o
el funk.
El rock, la música progresiva, el
pop y otras etiquetas semejantes vendían, el jazz no podía quedarse fuera y de
nuevo apareció Miles Davis abriendo nuevas puertas con su álbum Bitches Brew,
en el que introdujo instrumentaciones y ritmos cercanos al rock suponiendo una
nueva revolución en el sonido del jazz.
Los
años setenta no significaron, ni mucho menos, el declive del jazz y de la
música afroamericana en general, sino una nueva etapa de transición. Analizar
con profundidad cada una de las ramas del jazz dentro de la maraña que supuso
la fusión sería una tarea larga y difícil. Por ello, nos centraremos en el jazz
latino como ejemplo de esta tendencia.
Jazz Latino y Jazz Afrocubano
En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana
incorporación de elementos latinos a la música hot. De hecho, los ritmos de habanera,
calinda, contradanza o fandango eran usuales en la música de Nueva Orleans. La presencia de elementos latinos se mantuvo en el jazz
de los años 20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar una
verdadera fusión. Sin embargo, a mitad de los años 1940, la influencia cubana
sobre el bop generó un estilo de fusión cuyo mejor exponente fueron la big band
de Machito, y los trabajos de Dizzy Gillespie, que integraban elementos
característicos del bebop con ritmos afrocubanos. De todos los estilos que
surgieron tras la era del swing, el latin jazz ha sido uno de los que ha
disfrutado de mayor popularidad, y sus esquemas básicos no han cambiado
demasiado a lo largo de su historia, a través del trabajo -por citar sólo a
tres de las más importantes- de las orquestas de Tito Puente, Poncho Sánchez o Mario
Bauzá.
A partir de mediados la década de 1960 y, especialmente, durante
los años 1970, este estilo de fusión con músicas latinas, se asentó de forma
definitiva en la escena del jazz. Dentro de la amplia denominación de
"jazz latino", suelen incluirse músicas tan diferentes como las de
origen brasileño (bossa nova, especialmente, con autores como Antonio Carlos
Jobim, Joao Gilberto, Baden Powell), las de origen cubano y otras de fusión con
otras músicas de carácter latino (y de forma especial, el tango). En el entorno
de la fusión de jazz con la música afro-cubana y portorriqueña, encontramos a Chucho Valdés o Paquito D'Rivera, además de
pianistas como Hilton Ruiz, Gonzalo Rubalcaba y Michel Camilo, en los que el
elemento latino se incorpora de forma indistinguible a su origen bop. Un
resumen visual maravilloso de este estilo fusión lo encontramos en el
documental de Fernando Trueba Calle 54, un hito musical en el que podemos
escuchar además al mayor exponente de la fusión flamenco jazz: el gaditano
Chano Domínguez.
Los 80 y los 90.
La crisis del jazz y el nuevo tradicionalismo.
En esta década el jazz tocó fondo en la profunda crisis que estaba
viviendo desde la popularización del rock y la música electrónica. El camino
iniciado por el free jazz y después por las distintas fusiones alejó este
género del gran público y lo convirtió en la alternativa popular de la música
clásica. Esta profunda crisis de identidad fue resulta con la llegada de los
neotradicionalistas que acabaron con el debate free jazz/ fusión y propusieron
una vuelta a la pureza del jazz clásico.
En este apartado merece una especial mención el trompetista Wynton
Marsalis, considerado por la crítica el músico de jazz más importante de los
80, no sólo como instrumentista sino como divulgador y maestro de una saga
conocida como los Young lions dedicada a preservar la identidad musical
del jazz de los afroamericanos.
Los
años noventa han confirmado esas numerosas corrientes dispersas. El jazz no tan
solo no ha muerto sino que quizá está
más presente que nunca en la actualidad musical. El auge del rap, la
recuperación del bebop, el "revival" del soul, los éxitos comerciales
del funk y sus derivados, la aparición de nuevas bandas del más puro estilo
Nueva Orleans, la actualidad del blues o incluso el éxito en las discotecas del
"acid jazz" son síntomas de la buena salud de esta música cuando ya
ronda el siglo de existencia bajo el nombre de "jazz".
